Rembrandt, bouleversant de génie et d’humanité

Grâce au talent de Fabrice Conan, nous appréhendons mieux la personnalité bouillonnante et prolixe de Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 – 1669). En effet, nous devons souligner la richesse et la diversité des éléments transmis, l’abondance des œuvres projetées, que le compte rendu ci-dessous ne peut rapporter dans leur totalité.

Deux vieillards se disputant – Rembrandt,1628. National Gallery of Victoria, Melbourne. Domaine public via Wikimedia Commons

Rembrandt est fortement influencé par deux livres retrouvés chez lui : Antiquités judaïques de Flavius Josèphe, illustré par T. Stimmer et la Bible. Bien que la peinture religieuse ne soit pas d’actualité dans une société marquée par le protestantisme, il en renouvelle le genre ; telle sa première toile « indépendante » de 1625 : La Lapidation de Saint Étienne.  Suivent de nombreuses autres œuvres : Crucifixion, Déposition du Christ, L’Ascension inspirée d’une œuvre de Titien, Christ dans la tempête sur le lac de Galilée,  La sainte Famille. On retrouve également ce thème dans sa production de gravures, dont 8 versions de La Fuite en Égypte de 1626 à 1654.

Le Christ dans la tempête sur le lac de Galilée – Rembrandt, 1633. Gardner Museum, Boston.  Photo The Yorck Project. L’ Ascension – Rembrandt, 1636. Alte Pinakothek, Munich. Photo B. Timken. Domaine public via Commons.

Un peintre de la matière et de la lumière

Les œuvres de Rembrandt demandent à être regardées de près. Le monochrome l’intéresse autant que la couleur. Sa virtuosité se dévoile dans la technique du crayon, celle du pinceau, les coups de brosse énergiques, rendant le mouvement et la beauté des brocards et broderies plus vrais que nature. Sur la même toile, il utilise l’onctuosité et la lumière pour appuyer certains détails des costumes ou encore un léger flou pour faire apparaître le velouté d’un tissu.  Quand il n’ajoute pas une « virgule » pour simuler l’humidité d’une paupière, il gratte la toile jusqu’à faire apparaître le support. Tout est dans le dosage de la peinture, maîtrisé grâce à l’utilisation des pigments qu’il fluidifie avec de l’huile de lin ou par l’apport de glacis translucides pour des touches onctueuses. Rembrandt a souvent recours à la technique de l’empâtement (impasto), n’hésitant pas à appuyer avec son doigt pour donner du relief, tel un sculpteur modelant son œuvre. Un des plus beaux exemples est le Portrait d’Aletta Adriaendochter (1639),  fille d’un riche commerçant. Le travail de la lumière et de la matière y est magnifique ; le grain de la peau est traduit par l’épaisseur des matériaux ; finesse et délicatesse en même temps dans le travail sur la fraise, où la lumière ondule. On retrouve cette technique dans les portraits de Jacob Trip et de son épouse Margaretha de Geer  (1661) qui nous offrent une palette de couleurs plus chaude, et chatoyante, avec une composition plus riche, pleine d’énergie, de force, de chaleur humaine. Dans certains de ses autoportraits, notamment les derniers, il n’hésite pas à montrer l’évolution du temps, en jouant avec la matière ; des touches imparfaites dévoilent les aspérités dues à l’usure du visage.

Rembrandt, attiré par les démonstrations de richesses sociales, aime reproduire le faste des étoffes précieuses. Ainsi en est-il dans Autoportrait aux deux cercles, où il se représente dans son atelier, palette à la main, habillé d’un grand manteau de velours doublé de fourrure, ce qui ne correspond guère à l’habit de travail d’un peintre.

Autoportrait au béret et col droit – Rembrandt, 1659. National Gallery of Art, Washington. Photo Google arts and culture. Domaine public. Montage photo AMS.

« Toute ma vie, j’ai cherché à représenter la lumière », dit Rembrandt. Comment représenter les différentes façons dont la lumière entre dans une pièce, illumine un paysage ou se pose sur les visages ? Cette volonté se retrouve tout autant dans ses tableaux que dans ses dessins, eaux-fortes et gravures, et lui permet de traduire les volumes par des zones de non-peinture ou de non-dessin. Les clairs-obscurs sont également très contrastés dans ses œuvres religieuses où il fait entrer la poésie et le rêve par une tonalité plus dorée et poudrée. Avec Diane et Actéon (1634),  la scène mythologique l’intéresse moins que les effets de lumière, d’eau et d’obscurité.

Un peintre hors normes

Rembrandt et son épouse achètent une maison à moindre coût dans le quartier juif d’Amsterdam en 1639, ce qui va choquer la haute société de l’époque, estimant cela inconvenant. Il y installe son atelier et sa résidence privée. Ces préjugés n’empêchent pas les nombreux commanditaires de rendre visite au célèbre maître.

Rembrandt est au-dessus de toutes normes, par l’étendue et la diversité de sa production : 400 peintures, 300 eaux-fortes, 500 dessins, nombre non exhaustif puisque d’autres œuvres réapparaissent encore de nos jours. Son art est très novateur. Ainsi, lorsqu’il peint la Leçon d’anatomie du docteur Nicolaes Tulp (1632), représentant la dissection d’un cadavre, préserve-t-il la sensibilité du public en apportant une correction, qui ne sera découverte qu’en 1998 lors d’une restauration de ce tableau. On constate en effet que le bras droit, plus court que l’autre cache une reprise : pour ne pas perturber l’œil du public, le peintre a ajouté une main sur le moignon d’origine.

C’est plus l’humanité, la spontanéité, l’expression qu’il veut représenter et non la beauté à tout prix ; ainsi en est-il dans son travail sur les effets du rire, de l’étonnement sur les visages, renouvelant le genre des portraits et autoportraits, tels des tronies Il cherche avant tout à rendre le naturel, notamment, avec le portrait de son fils Titus (1655) appuyé sur le bureau. Dans les scènes de groupe, il s’attache au mouvement, souhaitant obtenir un résultat plus vivant et n’hésite pas à reproduire ses personnages de profil ou de trois quarts, comme dans Le syndic des drapiers  (1662).

La Ronde de nuit (ou La compagnie de F. B. Coq et W. van Ruytenbuch) – Rembrandt, 1641. Rijksmuseum. Photo hdl.handle. Domaine public via Wikipedia.

Là encore, les attitudes sont très animées grâce au magnifique travail de clair-obscur des personnages du premier plan et les effets de perspectives. Tout est dans le détail des tissus, des broderies, des lances. Le succès de ce tableau est total et son prix bat tous les records : 1 600 florins sachant qu’un ouvrier gagne 200 florins annuels.

Il reçoit beaucoup de commandes de portraits de la haute société hollandaise, tels ceux précédemment évoqués.

Un peintre à la vie de famille mouvementée

En 1634, Rembrandt épouse Saskia, nièce d’un marchand de tableau et riche orpheline. Il en fait de nombreux portraits : Saskia en 1634, puis en 1635, représentée en Flore . Les nombreuses commandes et le commerce d’art donnent au couple une certaine aisance financière. Mais la situation va changer à partir des  années 1650 et les difficultés vont s’accumuler.

Saskia meurt de phtisie en 1642 ; connaissant le côté dépensier de son époux, elle a légué par testament tous ses biens à leur fils afin de le protéger ; une clause empêche Rembrandt de se remarier sous peine de perdre la jouissance des biens. Se moquant du scandale, Rembrandt se console assez vite avec les gouvernantes successives de Titus, dont Hendrickje Stoffels qui lui donnera une fille Cornelia. Il représente sa maîtresse dans plusieurs toiles dont Jeune femme au lit  ou Portrait de Hendrickje Stoffels   

À la fin de sa vie, il vit difficilement de son travail et accumule les soucis financiers et juridiques. Ayant tout dilapidé, il est déclaré en cessation de paiements. En 1657 ses biens sont vendus aux enchères. Pour lui éviter le dénuement, ses enfants Titus, Cornélia et sa belle-fille Magdalena, créent une société afin de mieux protéger et commercialiser ses œuvres. Rembrandt s’éteint le 4 octobre 1669 à Amsterdam, loin du faste auquel il était tant attaché, entouré des derniers membres vivants de sa famille.

Les titres de certaines œuvres de Rembrandt peuvent varier selon les traductions.

Pour les cinéphiles : si Rembrandt s’est inspiré du Caravage pour le clair-obscur, il a donné son nom à une technique photographique que Cécil B. DeMille aurait appelé le premier « éclairage Rembrandt », afin de faire accepter les jeux d’ombres sur les visages.

Paysage avec un pont de pierre – Rembrandt, 1638. Rijksmuseum. Photo Google arts and project. Domaine public.